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封岩摄影展
名为《秩序》的封岩摄影个展于9月17日至10月6日在北京世纪翰墨画廊开展。封岩以其身为电影摄影师的敏感，用镜头抓住了时间与物质在某些神奇片刻中交汇发生的“静谧”本质。“司空见惯”不再被视而不见，透过这些摄影作品，我们甚至可以寻找到物质层面中一种形而上的“秩序”。
封岩摄影中所呈现的状态是涣散的。游移、缺失、消解、无含义。这一切暗示着价值取向和心境不同。在这个世界中确实有许多不同的世界，不同的世界观，这是为什么我们生活在一起，但是在不同的世界里。当观者穿行在封岩用图像组成的“意义的森林”中的时候，却恍然发现他的名字实际上也具有了某种意义上的象征意味。他更像一个地质考古学家，在小心地剥离开一片片封存在记忆岩石中的“意义”碎片，并精心地陈列起来。但接下来的问题是，他又给观看这些碎片的人制造了一个难题——“这些碎片有‘意义’吗？”封岩的回答是，在人们的惯性思维里，镜头只能是对准被证明是“有意义”的事物，就像每一处风景名胜都有一个留影的最佳角度。人们对经典形成了一种被动的认知，往往忽略了跟我们深层的感知联系更为密切的其实是一些日常生活中的细枝末节。


飘洋过海的锦囊
受美国纽约罗切斯特大学的邀请，“联合现场”的第二个集体项目《锦囊妙计》于2005年10月6号至11月6号在美国罗切斯特大学画廊举行。联合现场的主要成员通过这个项目进一步挑战艺术展览的常规形态和艺术家对作品实施的远程控制和应变能力。该展览以异地蓄谋和现场实施两部分组成。整个展览计划充满悬念以及不可预知和无法控制的因素。参展的10位艺术家分别是何颖宜、刘鼎、李振华、石青、邱志杰、王卫、秦思源、乌尔善、张慧。10人中有8位分别把各自作品的方案、制作材料或成品封存在8个60 x 60 x 60厘米的黑箱子中，“飘洋过海”到美国的展厅。开幕当天，另外两位前赴美国的艺术家在毫不知情的前提下在展览现场逐一打开这些来自中国的“潘多拉的盒子”，按箱中的指示实施各个作品计划，最终让这些艺术家们的奇思妙想在另一片土地上开花结果。

今日卡伊·弗兰克
设计师卡伊·弗兰克（Kaj Franck 1911－1989）以其自然、实用和多用途的作品设计而享有盛誉。他的作品毫无疑问地代表着芬兰设计的顶峰。弗兰克坚信设计师作品的完成是一个不断产生思想和想法的长期过程。作为赫尔辛基艺术与设计大学的一名教师，他影响了几代芬兰设计师。卡伊·弗兰克曾是很多当代著名设计师的老师，他并没有建立任何学派或设计形态，但创立了一种设计方法：“ 我从不寻求模式。相反，我研究普通农民手工制品的基本功能和目的。因此，是核心理念，而不是模式成为了我设计作品的起点。” 他的想法仍对年轻设计师的作品存在影响力。
经Design Forum的搜集和整理，《今日卡伊·弗兰克》（Kaj Franck Today）设计展于2005年10月2日在上海证大现代艺术馆开幕，展出一系列实用美术和工业设计领域的芬兰顶尖设计作品，通过展现这些作品和作者的创作思想来体现他们与卡伊·弗兰克设计的联系。这些作品的作者中有卡伊·弗兰克设计奖项的获得者，也有年轻设计师。 该设计展还会展出由参展设计师挑选出的卡伊·弗兰克作品，以代表他的全部作品。

北欧nu-jazz教父中国巡演
布格·维塞尔托夫特(BUGGE WESSELTOFT)，欧洲“新爵士”著名领军人物，挪威著名爵士钢琴家，北欧电音爵士第一厂牌“Jazzland”的创始人。90年代初，他是挪威国宝级萨克斯管演奏家Jan Garbarek与钢琴家Arild Andersen乐队里的乐手。从1994年开始，他成立了自己的“爵士新概念”（New Conception of Jazz）乐队，为传统的爵士语言作出革命性的创新。该乐队10年来共发表了4张专辑：95年的“爵士新概念”同名专辑，98年的《Sharing》，2001年的《Moving》和2004年的《FiLM iNG》。十年里，他曾三次荣获挪威“格莱美”音乐大奖。他主持的唱片公司Jazzland是北欧最著名的“新爵士”唱片公司。最近5年，他成为欧美各大爵士音乐节和电子音乐节的常客，足迹遍布欧美，印度，日本，韩国，南非和澳大利亚，将“爵士新概念”（New Conception of Jazz）带到全世界。2005年10月，维塞尔托夫特在中国5大城市（北京，上海，广州，深圳和香港）作首次中国巡演。与维塞尔托夫特同行的还有来自瑞典斯德哥尔摩的著名DJ约拿·鲁纳（Jonas Lonna），曲风横跨前卫电子，碎拍，Techno和Deep House。他还是斯德哥尔摩著名的俱乐部Fusion的创办者之一。1999年受Bugge Wesseltoft的邀请加盟“爵士新概念”乐队，负责节拍编程和音效部分。参与了2001年的《Moving》专辑和2004年的《FiLMiNG》专辑。以及里卡德·根索伦（Richard Gensollen）来自瑞典。2001年开始加入“爵士新概念”乐队，担任打击乐手。他也为2004年的《FiLMiNG》专辑作了节奏编程部分。

“奥伯豪森国际短片电影节”巡展活动
2004年6月，中国美术学院新媒体系组织了“德国汉诺威电影节——经典电影中国巡回展”在杭州的巡回放映和相关的艺术讲座，电影节为杭州带来许多新生代电影艺术家的作品，个性、不合常规而富有想象力，张扬着青年艺术家特有的创造力。今年10月20日-22日，新媒体系再次联手歌德学院，举办“奥伯豪森国际短片电影节”巡展。在德国奥伯豪森举办的国际短片电影节是世界上最古老的电影节之一。精心选片，精心组织各种传播形式，成就了一种崭新的欣赏电影短片的体验。本次巡展电影的内容分为三个单元：录像艺术、德国实验音乐短片以及“奥伯豪森短片电影节”参赛影片。短片的发烧友、爱好者集中观赏到了奥伯豪森资料馆的一批新旧短片。展映期间，电影节主席拉尔斯·亨里克·加斯还在新媒体系举办讲座，介绍欧洲电影节和电影市场等相关信息，论述音乐片、电影短片和通俗文化等。

古根海姆“新管家” 莉萨·丹妮森
经过几个月的物色，具有27年历史的古根海姆基金会选出了纽约古根海姆博物馆新一任馆长——莉萨·丹妮森（Lisa Dennison）。
总部在纽约的古根海姆博物馆在西班牙毕尔巴鄂、意大利威尼斯、德国柏林和美国拉斯维加斯拥有4个分馆，同时也在世界范围内和画廊、美术馆合作举办展览，被誉为顶级艺术类博物馆“连锁公司”。
现年52岁的莉萨·丹妮森在10月1日到任，接过托马斯·克伦斯掌管17年的古根海姆“帅印”，继任世界范围内的古根海姆博物馆总馆长一职，负责旗下4大分馆和纽约的旗舰店共5个博物馆的日常运行。克伦斯仍出任基金会总监一职，在世界范围内树立古根海姆商标。
“我们意识到纽约博物馆、世界范围内的博物馆都需要一个领头人。”古根海姆主席威廉·马克（William Mack）说，“莉萨对我们而言是个明智的选择，因为我们知道谁最有能力担当这个职位。”
“我是附着于古根海姆上的，”丹妮森说，“这是惟一一个我工作的地方，我将帮助建立收藏和继续发展它的优势。”丹妮森是布朗大学（Brown University）的艺术史硕士，1973年起为古根海姆服务，进入核心管理层是在5年前，担任博物馆展览协调，还担任过包括代理总监在内的很多职务。
古根海姆基金会执行主管托马斯·克伦斯的全球扩张企图此前饱受各方批评。在1月的扩大会议上，前任古根海姆主席、最大的股东彼得·B·刘易斯（Peter B.Lewis）曾指责克伦斯对于全球扩张的精力投入远胜于对纽约总馆的建设和资金投入。(淼森)

“延川剪纸”温哥华展出
日前，在加拿大温哥华美术馆，由旅美中国艺术家、纽约长征艺术基金会主席、北京二万五千里文化传播中心主任卢杰策划的长征项目展——《延川剪纸生存》正在进行中。该展览隶属于温哥华美术馆的大型分类展《堆积，档案，艺术家》。
几百张照片和80多小时的电影胶片构成了整个“延川剪纸生存”展，展示了剪纸这项古老艺术在“文革”时期的作用及在中国艺术中的地位。据卢杰透露，2006年还将有关于剪纸的15个学习合作项目在当地展开。(淼森)

当代艺术收藏大亨赠MoMA大礼
纽约现代美术馆（MoMA）新近收到来自洛杉矶房产商爱德华·R·布罗伊达（Edward.R.Broida）的一个大礼包，内有174件绘画、雕塑、素描等现当代艺术经典之作，皆出自当代艺术大家之手，如纽约画派干将菲利普·古斯顿（Philip Guston）、画家维亚·塞尔敏（Vija Celmins）、雕塑家克里斯托弗·维尔玛思（Christopher Wilmarth）等等。据美术馆一位不愿透露姓名的人士称，礼包价值预计超过5000万美元。
布罗伊达是位慧眼独具的收藏家。上世纪70年代后期，他购入一批当时被视作“小众”的当代艺术家作品。“所有人都认为我疯了，但情况却在慢慢改变。”仅以古斯顿作品为例，拍卖行里给出的估价均已超过百万美元。
这些作品不仅填补了MoMA在当代艺术馆藏方面的缺憾，也极大地丰富了先前的收藏，布罗伊达此番捐给美术馆36件古斯顿的作品，包括12件油画、16件素描和8件印刷品，创作时间从1938年到1980年，贯穿了艺术家创作的各个阶段。美术馆现代绘画和雕塑部分负责人安·特姆金（AnnTemkin）评价说：“布罗伊达的礼物让MoMA成为世界上最大最完整的古斯顿画作收藏之地。”
礼包中还有塞尔敏40年职业生涯中的3幅油画、3件雕塑、8张素描和4幅印刷品。而此前，MoMA全部的塞尔敏作品仅是4幅素描和一幅瑞士银行UBS去年捐来的油画。
现年71岁的布罗伊达已与癌症抗争多年。他这样解释自己的决定：“我已垂垂老矣。但我记得，长大后来到纽约第一个去的地方就是MoMA，它是我心中的灯塔。MoMA作为美术馆在某些领域还很薄弱，而那恰恰是我的收藏中的强项。”(淼森)


悉尼歌剧院设计师前嫌难释
在87岁高龄之时，丹麦建筑师约翰·乌特松（JornUtzon）近日再次感情复杂地对英国《卫报》谈起自己设计的闻名世界的杰作———悉尼歌剧院，那艘外形犹如贝壳又如白色风帆的知名建筑。
今年10月，悉尼歌剧院将迎来32周岁生日。40年来，乌特松遵守自己的誓言，再也没有踏上过澳大利亚的土地，更没有亲眼看一下歌剧院。
1957年，38岁的丹麦建筑师约翰·乌特松的设计方案从来自32个国家的233件设计方案中脱颖而出，赢得了5000美元奖金，然而成功的喜悦尚未完全散去，实际操作上遭遇到的困难让“革命性”的设计因此搁浅。
悉尼歌剧院于1959年开始建造，最初，澳大利亚的工程师们对于乌特松设计的贝壳外形充满了好感，但随后而来的第一大困难就是投资。为了筹措经费，除了募集基金外，澳政府还曾于1959年发行悉尼歌剧院彩券。当花费从最初的700万澳元预算飙升到可能的1.02亿澳元，1966年新组阁的澳大利亚政府在沉重的负担下决定停止雇佣乌特松。乌特松愤而离开并发誓永远不踏上澳大利亚土地。
他的离开令悉尼歌剧院以相对便宜的价格完成了全部建设，并于1973年开门迎客。整个悉尼歌剧院从设计到建设共耗时16年。外部结构基本按照原先的设计，但内部装饰却非如此。
到1995年，澳政府又拨款完善剧院，乌特松才对剧院的设计作了些指点，并改进了歌剧院6个部分的建设，纠正了一些当年的错误。近些年，多次有人提出愿意出资送乌特松去悉尼冰释前嫌，但是乌特松始终拒绝接受。他说：“歌剧院始终在我的头脑中，仿佛旋律久久回旋，我能够在任何时候听到它，这就是我的价值所在。” (淼森)

欧洲最大歌剧院“索菲亚”开门
结束了长达9年的建设，被称为目前欧洲最大的歌剧院——西班牙港口城市巴伦西亚的“索菲亚艺术宫殿”正式开门迎客。这座巨大的由混凝土、钢铁、瓷砖构成的角斗士钢盔般的建筑，出自西班牙超现实主义建筑师圣地亚哥·卡拉特拉瓦（Santiago Calatrava）之手，内设4000个座位。
该歌剧院以西班牙皇后雷妮娜·索菲亚（Reina Sofía）的名字命名，歌剧院的落成因此成为一件政治文化大事。当地政府对这一高70米的巨大建筑投资超过1.2亿欧元，开幕后每年投入约为6000万欧元。如同小城毕尔巴鄂的古根海姆美术馆为毕尔巴鄂带来了巨大的旅游收益一样，巴伦西亚对歌剧院巨额投入的目的显然也在于此，当地政府发言人说：“我们希望歌剧院能够成为城市的符号象征，如同悉尼歌剧院。”
歌剧院的落成使巴伦西亚在艺术和科学设施上日臻完美——卡拉特拉瓦还曾为巴伦西亚设计一座耗资4亿欧元的科学城。虽然歌剧院的设计不及卡拉特拉瓦设计曼哈顿世贸中心时的大胆，也不如他设计的半透明雅典奥运会主场馆那样富于想像力，但卡拉特拉瓦在本周公开宣称，“艺术宫殿”是他迄今为止最完整的作品，“是巴伦西亚当地人们的文化标志。”
据称，在今年的三个演出季中，世界上最杰出的指挥家之一洛林·马泽尔（Lorin Maazel）将担任歌剧院的艺术总监，祖宾·梅塔（Zubin Mehta）将担任一年一度的音乐节指挥。(淼森)

英图书馆击败音乐中心赢得建筑优秀奖
日前，英国首相公共建筑优秀奖揭晓，英国南部城市布莱顿耗资800万英镑新建的朱比利图书馆折桂，成为第一个赢得该奖项的公共集资建设项目。朱比利图书馆遭遇到的强劲对手是诺曼·福斯特公爵和伙伴们设计建造的Gateshead音乐中心，它耗资7000万英镑，音乐中心起伏蜿蜒的表皮合乎逻辑地覆盖了音乐厅、排演厅、图书馆、餐厅、教学中心和室外表演广场等各种功能厅，反映出了三座独立音乐厅的不同高度变化。朱比利图书馆于2005年3月3日正式开馆。由于大量采用了太阳能和风能供电，该馆被称为“英国最‘绿色’的图书馆”。评委之一保罗·芬奇说：“朱比利图书馆是个很棒的项目，它符合图书馆的功能要求，而并不只是一个附带看书的玩乐场所。”图书馆拥有一个玻璃管状的前庭通往新的公共广场，这也是最终赢得公共建筑优秀奖的一大原因。著名皇家建筑协会奖（RIBA）将在本周末正式宣布，该图书馆也进入了最后的角逐。(淼森)

名作《参孙和达利拉》明年返乡
欧洲最著名的“壁炉装饰品”——鲁本斯名作《参孙和达利拉》（Samson and Delilah）结束今年在伦敦国家画廊的展览后，可能将会回到其最初诞生的宅中展出。
英国国家画廊初步确认，明年将运送《参孙和达利拉》“回乡”——在比利时安特卫普的“罗克斯之家”（Rockox House）博物馆再度展出。“罗克斯之家”是鲁本斯的朋友、艺术收藏家尼古拉斯·罗可斯（Nicolas Rockox）的府邸，当时，画家鲁本斯一直居住在罗克斯家里，《参孙和达利拉》则悬挂于壁炉之上。画作描绘的是大力士参孙在爱人达利拉裸露的胸膛上入睡，而达利拉与同谋者却欲用剪刀把参孙象征力量的头发剪去，是沉浸在新婚快乐中的罗可斯委托沉浸于同样快乐中的画家所作。
作为挂在壁炉上的装饰，它在火光中完成，因为画作运用的透视法迥异于鲁本斯的习惯，以至于有学者认为这并非典型的鲁本斯作品。有关专家提醒说，把画作悬挂于1610年画作最初完成的那间屋子的壁炉之上———这种展览方式也许不能如想象中那般迷人，“时过境迁，哪怕它回到原来的位置，也已经无法复原当初的景象，无法令参观者身临其境。”
但“罗克斯之家”馆长伊德加德·邦德贝德（Hildegard Vandevelde）说：“对我们而言，将画作放到原来的位置上是件非常美妙的事，哪怕只有几个星期的时间。”
英国国家画廊在1982年以250万英镑的价格购入《参孙和达利拉》，现在看来，这个价格低廉得不可思议，因为鲁本斯的作品价格已经在古典大师的排行榜上飙升到第二位。（淼森）

英国家画廊办展纪念“伟大合作”
英国国家画廊新近启用了斥资2200万英镑进行改建修补的奢华门厅，明亮的大理石门厅真实再现了五彩缤纷的维多利亚时代艺术风格。更令人关注的是，因改建工程关闭了整整一年的国家画廊一号展厅将为一个特殊的庆典展览——国家遗产纪念基金会（National Heritage Memorial Fund 简称“NHMF”）成立25周年而特别开放。
英国国家遗产纪念基金会成立于1980年，旨在支持景观、历史、美学、建筑或科学意义的历史文化遗产的购买、维护和修复。此次纪念展上展出的作品都是国家画廊和基金会“伟大合作”的见证——它们得以留在画廊全仗基金会提供的经济支持。1993年基金会为荷尔拜因（Holbein）作品《怀抱松鼠和八哥的女士》付出了350万英镑；1981年，基金会贡献了82.5万英镑留住了克劳德·洛兰讷（Claude Lorraine）的作品《魔幻城堡》，这幅画影响了19世纪的浪漫主义文学，被认为是济慈创作《夜莺颂》的灵感来源。
据了解，从1980年起，NHMF支付了差不多2.2亿英镑，用于1200次紧急抢救工作。国家画廊负责人表达了办成此展带来的由衷的喜悦：“现在大家所看到展览上的重要作品，如果没有基金会的支持，英国将与它们失之交臂。”

里昂双年展让“时间”作证
第七届里昂双年展日前开幕，主题为“时间体验”（Experiencing Duration），主办方称，“时间体验”并非一场历史展、一个着眼于回顾的“舞台”，而是让过去多年来的艺术经验在此地此时再度散发光亮。
本届双年展在里昂现代美术馆等五个展场展出，“时间体验”的主题探寻再次肯定了艺术作品在被视作为某种纪念碑或者简单的宣言之前，其诞生时间是判断价值的首要因素。从上世纪六七十年代的概念艺术家道格拉斯·胡埃贝勒（Douglas Huebler）到约翰·米勒（John Miller）、小野洋子、狄特·罗斯（Dieter Roth），再到今天讨论艺术政治经济关系的泰国艺术家苏拉西·库索旺（Surasi Kusolwong），艺术家和艺术创作的时间在实际中的关系密不可分。
此次双年展将尽力避免现当代艺术中经常呈现的“癫狂”状态，而倾向于进行一次平和的对话。其兴趣点在于“70年代”，其实践精神是“70年代的反文化”，如极简主义的代表特里·瑞里、拉蒙特·扬、托尼·康拉德等。
“‘时间体验’结合了过去和当下，以及对速度、加速度、迟缓、暂停的体现，什么才是此时艺术的具体表达？创造性工作源自一个传统，源自经验的持续性，这也是本届双年展的具体贯穿思路。”本届双年展艺术总监、里昂当代美术馆馆长在阐释主题时说。里昂双年展毫不含糊地反对给艺术贴上“标签”，以“跨越一切”的面貌出现，以展览内容的自由著称，向来以“异己”为它的主调，展出题材极为广泛。（淼森）